К 170-летию со дня открытия 17 февраля 1852 года Императорского музея Нового Эрмитажа в Санкт-Петербурге
Оксана Копенкина, арт-аналитик, основатель сайта «Дневник живописи»
Эрмитаж. Пять зданий, 20 км коридоров, 350 залов, 60 000 картин, для просмотра которых вам понадобится 40 суток, если останавливаться у каждой хотя бы на одну минуту.
Своему названию Эрмитаж уже давно не соответствует. В переводе с французского это слово означает «укромное место, келья». Таким он был до середины XIX века, когда посещать его могли лишь избранные и по специальным пропускам. В 1852 году музей был открыт для всех желающих.
Коллекция Эрмитажа грандиозна. Недаром музей занимает 13-е место в мире по посещаемости. Но есть и свои особенности.
Увы, коллекция Эрмитажа пережила серьезные потери. После революции 1917 года советское правительство продало 48 шедевров! Россию покинули «Венера у зеркала» Тициана, «Мадонна Альба» Рафаэля, «Поклонение волхвов» Боттичелли. Это тоже часть истории Эрмитажа…
В коллекции так много шедевров, что наметить маршрут по музею очень непросто. Мы расскажем лишь о семи гениальных полотнах разных эпох и стилей.
Леонардо да Винчи. Мадонна Литта. 1490–1491
Произведений Эпохи Возрождения в Эрмитаже немного, но две из них – «Мадонна Литта» и «Мадонна Бенуа» – кисти самого Леонардо да Винчи, притом что в мире всего 19 работ мастера!
Музей приобрел шедевр в середине XIX века у итальянской аристократической семьи Литта. За полстолетия до этого «Мадонна Литта» гостила в России: ее привозил с собой Джулио Литта, представитель рода, который принял подданство России и женился на племяннице Потемкина. Однако наследница Литта после его смерти вернула работу своим итальянским родственникам.
Картина небольшая, 41х32 см, но через несколько секунд вы перестаете это замечать. В маленькое пространство картины вмещается что-то очень величественное, вневременное.
Мать с большой нежностью смотрит на младенца. Он припал к груди. Немного грустными глазами он смотрит в нашу сторону. Ведь за пять минут до этого разыгралась маленькая драма: Дева Мария решила отлучить ребенка от груди, и вырезы для кормления были аккуратно зашиты. Но она не устояла перед просьбами и плачем младенца. Один вырез был в спешке разорван. Так Леонардо изобразил милосердие и любовь матери к своему ребенку.
Рафаэль. Мадонна Конестабиле. 1502
В Эрмитаже хранится еще один шедевр Эпохи Возрождения – «Мадонна Конестабиле» Рафаэля. Ее купил для своей супруги Александр II. Покупка была скандальной. Общественность в Италии была возмущена тем, что их наследие покидает страну. Ругали владельца – графа Конестабиле. Уговаривали не продавать. Даже собирали деньги, чтобы выкупить шедевр и оставить на родине. Но не собрали. Картина досталась России.
Хранится она в своей «родной» раме, которая была исполнена по рисункам Рафаэля.
Рафаэль создал свой шедевр в юном возрасте. Ему едва исполнилось двадцать лет. Но этим работа и ценна. Она создана в Перудже, в мастерской учителя. Рафаэль еще не видел работ Леонардо и Микеланджело, которые сильно на него повлияют. Его искусство еще очень самобытно. Тонкие линии. Нежные краски. Гармоничный пейзаж. Благодаря «Мадонне Конестабиле» мы видим гений Рафаэля в первозданном виде.
Караваджо. Лютнист. 1595–1596
«Лютнист» Караваджо был куплен в начале XIX века по распоряжению
Александра I. Долгое время картина висела в Эрмитаже под названием «Лютнистка», настолько чувственным изображен юноша. Лишь плоская грудь говорит о том, что перед нами не девушка.
Караваджо часто называли натуралистом за его необычную проработку деталей. Подпорченные фрукты, трещины на лютне, потертые ноты…
В «Лютнисте» Караваджо впервые использует свое знаменитое тенебросо (от итальянского tenebroso – мрачный, темный), когда фигуры и предметы выхватываются тусклым лучом из кромешной темноты. Благодаря этому проявляется почти осязаемый объем, а эмоции персонажа приобретают драматический оттенок. Такой театральный эффект станет очень популярным в эпоху барокко.
Рембрандт. Возвращение блудного сына. 1669
Картина «Блудный сын» – одно из самых ранних приобретений Эрмитажа. Она была куплена у французского герцога по приказу Екатерины II еще в 1766 году.
Это последняя картина Рембрандта. У нее всегда собирается толпа. Потому что полотно на многих производит очень сильное впечатление.
Перед нами сюжет из Евангелия от Луки. Младший сын скитался по свету, тратил наследство отца, все промотал, находясь в плену своих страстей. И вот уже в крайней нужде вернулся он к порогу отцовского дома. Его одежда превратилась в лохмотья, обувь стоптана. Голова обрита, потому что за плечами каторга. Отец милосердно принимает сына. Он склонился над ним и мягко положил руки на его плечи.
На картине полумрак. Лишь слабый свет вылепливает фигуры. Женщина на заднем плане еле различима. Возможно, это мать вернувшегося юноши.
Картина о родительском милосердии. О всепрощении. О том, что даже у опустившегося человека есть надежда обрести приют. Уняв гордыню. Преклонив колени.
Томас Гейнсборо. Дама в голубом. 1778–1782
В начале XX века «Дама в голубом» была безвозмездно передана Эрмитажу по завещанию дворянина Алексея Хитрово.
Считается одной из лучших работ Гейнсборо. Он не любил писать портреты, но вынужден был их выполнять на заказ, чтобы прокормить семью. Благодаря портретам и прославился.
На этой картине мы видим все лучшие черты эпохи рококо. Легкие, тающие мазки. Идеал утонченной красоты. Воздушность образа. Элегантность в мимике и жестах героини. При этом нет жеманности и наигранности. Женщина естественна. Именно такой графиня Бофор была в жизни. Изящной и женственной.
Удивительно, что ее мать была членом сообщества «Синий чулок». Это были этакие феминистки XVIII века. Начитанность и широкий кругозор они ценили выше женских нарядов и забот о доме.
Гоген. Женщина, держащая плод. 1893
В России немало картин Гогена благодаря дореволюционному промышленнику и коллекционеру Ивану Морозову. Он купил «Женщину, держащую плод» в 1908 году. После революции вся его коллекция была национализирована и в середине XX века поделена между двумя музеями: Эрмитажем и ГМИИ им. А.С. Пушкина.
На четверть перуанец, Гоген избегал шумных городов и однажды добрался до Таити. Там и была написана «Женщина, держащая плод». Обратите внимание, насколько тонким слоем положена краска. Мы видим текстуру холста. Гоген был крайне беден. Краска дорого стоила. Приходилось ее беречь.
Плоскостность изображения, яркие краски, экзотичность деталей… Такую необычную живопись публика плохо принимала. Картины Гогена стали продаваться лишь за несколько лет до его смерти.
Матисс. Танец. 1910
Картину «Танец» заказал русский купец и коллекционер Сергей Щукин. Перед отправкой в Россию панно показали на выставке в Париже. Публика работу разругала. Щукин привык к тому, что его называют собирателем всякого хлама, но на этот раз дрогнул, отказался от заказа. Потом передумал, извинился перед художником за свою слабость. И картина вместе с парной к ней работой «Музыка» благополучно добралась до России.
Сейчас этот «хлам» считается одним из главных шедевров модернизма. На полотне – образ золотого века человечества. Такова была эпоха. Люди наслаждались прогрессом и искусством. Считали, что живут в самое благополучное время. Но это было лишь затишье перед бурей. Впереди — страшные испытания мировых войн.
Картина написана лишь тремя красками. Это еще больше подчеркивает символичность фигур. Они кружатся в неистовом танце. Это квинтэссенция страстного, чистого движения. Но эта эмоциональность не хаотична, она уравновешивается движением по кругу, центробежной силой. А еще классическими очертаниями левой фигуры.
