Павел Третьяков не приобретал работы академические и пафосные – он хотел видеть в картине правдивость, искренность и душевность
Оксана Копенкина, арт-аналитик, основатель сайта «Дневник живописи»
История Третьяковской галереи, самого большого музея русской живописи в мире, началась с частной коллекции Павла Третьякова (1832–1898). Этот меценат обладал скромным характером, демократичными взглядами и особым художественным вкусом. Когда Третьяков передал свою галерею в дар Москве, Александр III пожаловал ему дворянский титул. Но Павел Михайлович отказался, считая себя недостойным этого!
Третьяков не приобретал работы академические и пафосные – он хотел видеть в картине правдивость, искренность и душевность. И хотя не всегда был готов платить много, художники мечтали, чтобы их работы покупал именно он.
В этой статье речь пойдет о семи шедеврах Третьяковской галереи. Пять из них когда-то приобрел сам Павел Третьяков, а две попали в музей уже после смерти мецената, однако прекрасно вписались в его коллекцию.
Иван Шишкин. «Рожь»
На картине «Рожь» мы видим невероятное сочетание желтой низкой ржи и высоченных старых сосен. А еще много интересных деталей. Очень низко летающие стрижи. Идущие вдалеке люди с косами.
Шишкина часто упрекали в чрезмерной фотографичности. И в самом деле, если вы приблизите изображение, то разглядите чуть ли не каждый колосок. Но не все так просто. Среди величавых сосен стоит сосна погибшая, возможно, от ударившей молнии. О чем нам хочет сказать художник? О том, что любая сила может быть в одночасье сломлена? Пережив смерть жены и двоих детей, Шишкин вполне мог такое настроение перенести на холст. Но даже если так, он при этом делал все, чтобы показать красоту русской природы.
Архип Куинджи. «После дождя»
Главный герой всех картин Куинджи – это свет. Причем обычный свет художник непостижимым образом превращал в волшебный, выбирая самые красочные явления природы. Так и на картине «После дождя».
Только что прошла страшная гроза. Коричнево-фиолетовое небо выглядит устрашающе. Но пейзаж уже освещается первыми лучами. Вот-вот созреет радуга. Трава после дождя чистого изумрудного цвета.
Нет уверенности, что Куинджи писал только с натуры. Вряд ли бы лошадь оставалась на открытом пространстве в сильную грозу. Скорее всего, ее фигура добавлена для усиления контраста между грозовым небом и освещенной солнцем травой.
Куинджи был оригинален не только как художник, но и как человек. В отличие от многих своих не очень обеспеченных коллег он разбогател благодаря удачным сделкам с недвижимостью. Но жил очень скромно, все свои деньги раздавая нуждающимся.
Виктор Васнецов. «Три царевны подземного царства»
Картину «Три царевны» заказал Савва Мамонтов специально для конторы каменноугольной железной дороги. Васнецов взял за основу народную сказку о золотой, серебряной и медной царевнах.
Но сильно ее видоизменил, оставив лишь золотую царевну. Двух других добавил от себя: царевну драгоценных камней и царевну угля. Все три прославляют богатства недр русской земли.
Девица в черном – самая младшая, ведь уголь стали добывать позже золота и драгоценных камней. Поэтому и платье на ней более современное.
А еще платье Царевны угля более скромное. Ведь ее назначение – приносить пользу людям, а не служить людской алчности, как приходится делать двум старшим сестрам.
Третьяков любил покупать работы у Васнецова: они были хорошими приятелями. И немудрено. Художник был крайне скромным человеком.
Он узнал о том, что поступил в Академию художеств, лишь через год, когда пришел сдавать экзамен заново, уверенный, что провалился в первый раз.
Илья Репин. «Стрекоза»
«Стрекозу» невольно можно принять за работу импрессиониста из Парижа. Ведь она такая жизнерадостная, светлая.
Ребенок сидит на перекладине на фоне светлого неба и качает ножкой. Так и слышится стрекотание сверчков и жужжание шмелей.
Самое удивительное, что Репин не особо любил импрессионистов. Считал, что им не хватает сюжетности. Но ничего не мог с собой поделать, когда брался рисовать ребенка. Другая манера письма никак не шла к детской непосредственности.
На картине Репин изобразил свою старшую дочь Веру. Причем он сам и назвал ее Стрекозой. Ведь голубое платьице так похоже на расцветку стрекозы, присевшей на бревнышко на пару секунд, чтобы вскоре взмыть с легкостью в небо.
Валентин Серов. «Девушка, освещенная солнцем»
Еще одна картина, написанная в импрессионистической манере, хранится в Третьяковке. Но создана она уже Валентином Серовым.
Импрессионизм здесь выражен в невероятной игре света и тени. Солнечные блики, ярко освещенная полянка противопоставлены темной коре дерева и юбке глубокого синего цвета.
Серов считал «Девушку, освещенную солнцем» лучшей своей картиной, несмотря на то что написал ее в 23 года. Он признавался друзьям, что всю жизнь пытался создать нечто подобное, но никак не выходило.
Серову позировала его кузина Мария Симонович. Целых три месяца по несколько часов каждый день. Художник работал над картиной так долго и тщательно, что даже очень терпеливая Мария не выдержала. На четвертый месяц работы она сбежала в Петербург под предлогом начала занятий. Но не только потому, что устала. Позже она призналась, что боялась, как бы брат не перестарался. Сама будучи скульптором, она знала, что если бесконечно вносить в работу поправки, то можно все испортить.
Возможно, она поступила правильно. И в том числе благодаря ей картина стала шедевром, уступив по популярности лишь «Девочке с персиками».
Исаак Левитан. «Над вечным покоем»
«Над вечным покоем» – один из самых русских и философских пейзажей Левитана. Вселенский масштаб речного простора противопоставлен хрупкой человеческой жизни. Символом ее является еле заметный огонек, горящий в церквушке.
Сам Левитан считал эту картину очень важной, видя в ней отражение своего характера и души. Но при этом она его страшила. Ему казалось, что от нее веет холодом вечности, которая «поглотила немало поколений и еще больше поглотит».
Левитан был человеком меланхоличным, склонным к мрачным мыслям и поступкам. Так, через год после написания этой картины он совершил демонстративную попытку самоубийства, будучи в удрученном состоянии из-за перипетий личной жизни. В то время в него влюбились сразу две женщины: мать и дочь.
А вообще эта картина – катализатор вашего мироощущения. Если вы человек оптимистичный, то, скорее всего, почувствуете воодушевление от созерцания простора. Если вы пессимист, то ждите иных эмоций. Вам наверняка станет не по себе от всепоглощающего пространства.
Михаил Врубель. «Сирень»
На картине Врубеля мы видим поразительно красивую сирень. Она написана мастихином (тонкой лопаточкой, которую художники используют для нанесения на холст грунта), поэтому грозди соцветий похожи на объемные кристаллы необыкновенного цвета: от светло-голубого до фиолетового. И этих цветов на картине так много, что можно ощутить запах сирени.
На фоне куста выступают очертания девушки – души сирени. Мы видим только большие темные глаза, густые волосы и изящные руки. Девушка в отличие от сирени написана кистью. Это подчеркивает ее ирреальность.
Картина может вернуть нас в детство. Ведь именно тогда мы были склонны видеть потустороннее. Вот идешь по тропинке среди сиреневых кустов в поздние сумерки и вглядываешься в зелень. А воображение рисует нам неведанное: чьи-то глаза или силуэты.
Врубель в отличие от обычного человека сохранил это особое видение на всю жизнь. В своем воображении он погружался в иные миры и потом демонстрировал их нам. В виде демонов, серафимов или душ деревьев.
Но однажды он не нашел дороги назад. Вскоре после написания «Сирени» у Врубеля начало прогрессировать психическое расстройство. Он медленно угасал в плену других миров и скончался в 1910 году.
